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La música es una herramienta creativa de liberación, con comunidades queer que encuentran significado, abierto o no, en canciones de una miríada de artistas. GRAMMY.com desglosa la larga historia de los himnos queer, desde un cabaret de la década de 1920 hasta la cima de las listas de éxitos.

Cuando una joven Judy Garland cantó "Somewhere Over the Rainbow" en 1939, soñando con una vida más emocionante, alegre y colorida en otro lugar, pocos podrían haber imaginado que sus palabras inspirarían a generaciones de personas queer que encontraron un atisbo de libertad donde "los sueños que te atreves a soñar realmente se hacen realidad".

Durante décadas, si no más, la música ha seguido sirviendo como una herramienta creativa de liberación, con comunidades queer encontrando significado, abierto o no, en canciones escritas directamente para ellos o apropiadas del trabajo de artistas (aparentemente) heterosexuales. A menudo con el tiempo, pero en ocasiones inmediatamente, esa música se convierte en un himno queer. Si bien el orgullo por la propia identidad a menudo ha sido un tema central, estos himnos también han abordado el trauma comunitario, desde la epidemia del VIH/SIDA hasta la discriminación que continúa hasta el día de hoy.

A medida que los mensajes y los estilos musicales se han adaptado con los tiempos, lo más poderoso en la evolución de los himnos queer es cuánto más abiertamente gay se han vuelto. Un número cada vez mayor de artistas puede expresar su identidad sin reparos, incluso en géneros que tradicionalmente han sido reticentes u hostiles a las minorías. Rastrear la historia del himno queer brinda la oportunidad de ver hasta dónde ha llegado la comunidad LGBTQ+ y cómo se puede usar la expresión creativa para luchar por los derechos que aún están amenazados.

Presiona reproducir en la lista de reproducción de Spotify a continuación, o visita Apple Music, Pandora o Amazon Music para obtener una lista de reproducción de himnos queer.

En Glitter Up the Dark: How Pop Music Broke the Binary, la escritora musical Sasha Geffen explora la historia de los himnos queer del pasado y del presente.

"Creo que es importante honrar a estos ancestros en la narrativa queer y señalar cómo las cosas no siempre van de peor a mejor", le dice Geffen a GRAMMY.com. "En este momento, en nuestro momento histórico actual, donde estamos viendo muchos acercamientos y eso puede ser realmente aterrador, pero siempre ha habido este pulso y siempre ha habido supervivencia".

Un movimiento musical mundial

De hecho, "Somewhere Over the Rainbow" ni siquiera fue el primer himno gay. Uno de los primeros es el número de cabaret alemán de 1920 "Das lila Lied" ("La canción de lavanda"), un claro producto de la relativa libertad sexual de la República de Weimar. Escrita en la época en que el sexólogo Magnus Hirschfeld organizaba la Primera Conferencia Internacional para la Reforma Sexual, la canción reconocía las luchas que enfrentaban las personas queer y al mismo tiempo declaraba: "¡Y aún así, la mayoría de nosotros estamos orgullosos de haber sido cortados de otra tela!"

En Europa, los musicales brindaron astutas oportunidades para explorar temas queer, en particular el trabajo del dramaturgo inglés Noël Coward, cuya sexualidad oculta se expresó en canciones de amor no correspondido como "Mad About the Boy" y "If Love Were All". Estados Unidos, las mujeres negras definieron muchos de estos primeros himnos queer, en particular Ma Rainey y Billie Holiday, con "Prove It on Me Blues" y "Easy Living", respectivamente. Como dice Geffen, su música era "juguetona y obscena y vendía". "

Holiday y Rainey, junto con su prodigio, Bessie Smith, eran todos bisexuales, una identidad que, junto con su raza y género, amenazaba sus carreras profesionales. Enfrentaron no solo el ostracismo social, sino también amenazas legales debido a su sexualidad. Sin embargo, estos pioneros aún expresaron sus emociones abiertamente, como canta Ma Rainey en "Prove It on Me Blues": "Salí anoche con una multitud de mis amigos'/ Deben haber sido mujeres, porque no me gusta sin hombres/Usar mi ropa como un abanico/Hablar con las chicas como cualquier anciano".

Los años de la guerra y el conservador social de la década de 1950 no vieron muchos himnos gay duraderos, ya que los músicos masculinos blancos se apropiaron e hicieron famoso el sonido rebelde del rock and roll de los músicos negros. Esto quedó claro en canciones como "Tutti Frutti" de Little Richard (con claros matices sexuales) y "Hound Dog" de Big Mamma Thornton, que vestía ropa de hombre y ha sido apreciada por representar la homosexualidad negra.

Durante la revolución sexual de mediados del siglo XX, las mujeres negras continuaron produciendo algunas de las músicas más transgresoras. Nina Simone cambió la preferencia de género en su versión burbujeante de "My Baby Just Cares for Me", de Lana Turner a... Liberace, y Diana Ross entregó una versión sensual de "Ain't No Mountain High Enough", mostrando las profundidades que alguien es dispuesto a ir por su amante.

Sin embargo, es imposible incluir una sola canción de la diva disco en un compendio de himnos queer, abiertos o implícitos. La inspiración para "I'm Coming Out" de 1980 en realidad salió de un bar gay de Nueva York: el famoso compositor Nile Rodgers fue al baño y notó un grupo de imitadores de Ross. Como dijo Rodgers a Billboard en 2011, "Salí corriendo y llamé a Bernard [Edwards, su colaborador frecuente] y se lo conté y le dije: '¿Qué pasa si reconocemos la alineación realmente genial de Diana Ross con su base de fans en la comunidad gay?' Así que nos sentamos y escribimos: 'Estoy saliendo'".

Durante este período de feminismo de segunda ola, la comunidad queer también adaptó canciones de empoderamiento femenino, como "You Don't Own Me" de Lesley Gore (la propia Gore se declaró lesbiana en 2005). Algunos actos masculinos abrazaron todo lo que desafiaba las normas sociales, ya sea en torno a la identidad o la sexualidad (aunque algunas de sus representaciones de raza y género pueden cuestionarse): "Lola" de The Kinks, "Walk on the Wild Side" de Lou Reed y "Rebel Rebel" de David Bowie, cuyo glam rock superó los límites en términos de presentación de género.

Más que cualquier género anterior, la llegada de la música disco en la década de 1970 proporcionó una banda sonora para la comunidad LGBTQ+. De hecho, podría decirse que fue el primer género creado por y para gente queer que fue disco, con temas de alta rotación como "I Feel Love" de Donna Summer, "I'm Every Woman" de Chaka Khan o incluso "Dancing Queen" de ABBA. ." Pero podría decirse que el himno queer más poderoso fue "I Will Survive" de Gloria Gaynor, un tributo descarado a la superación contra viento y marea que todavía se puede escuchar hoy en las carrozas del Orgullo.

Tal vez en un sentido menos matizado pero igualmente impactante durante este tiempo, Village People también jugó con fantasías sexuales homosexuales tanto en su apariencia como en su música, especialmente con sus canciones "Macho Man" y "YMCA". la influencia de Village People en llevar la vida queer a la corriente principal no puede subestimarse.

Los artistas abiertamente queer también comenzaron a afirmarse más que nunca en la década de 1980 y el auge del synth pop, encontrando fanáticos entre las comunidades heterosexuales y queer, a menudo en una forma de "sabes si sabes", según Geffen. El sonido proveniente de grupos británicos como Culture Club ("Do You Really Want to Hurt Me"), Soft Cell ("Tainted Love") o Bronski Beat ("Smalltown Boy") era inseparable de lo queer; un ritmo acelerado y un trasfondo temático recorrieron muchas de las canciones pop más importantes de la época. Estos artistas estaban "hablando de una experiencia que era muy específica para la comunidad queer: esta idea de descubrir quién eres y salir de casa y no saber dónde vas a terminar y simplemente confiar en algo que podría ser mejor que lo que tienes", señala Geffen.

También durante la década de 1980, los himnos queer también comenzaron a proliferar más allá de la música en inglés, lo que demuestra que el deseo de expresar lo queer a través de la música era universal. Esto se vio notablemente en "Libertine" y "Sans contrefaçon" de la artista canadiense-francesa Mylène Farmer sobre abrazar la androginia. Y en el mundo de habla hispana, estaba el "¿A quién le importa?" de Alaska y Dinarama. que se traduce como "¿a quién le importa?"

Himnos sacudidos por el trauma

Pero esta relativa apertura en términos de aceptación gay en la cultura popular se vio rápidamente sacudida por la crisis del VIH/SIDA, cuando los himnos queer adquirieron un papel político aún más fuerte. Ya sea "I Want to Break Free" o "Somebody to Love" de Queen, "Relax" de Frankie Goes to Hollywood o "You Make Me Feel (Mighty Real)" de Sylvester, estos himnos no se avergonzaron de expresar sentimientos románticos y deseo sexual. así como luchar contra la violencia, el silencio y los estereotipos.

Conocido por su voz de falsete, Sylvester fue una de las voces líderes en la creciente comunidad queer de San Francisco antes de fallecer por complicaciones relacionadas con el SIDA en 1988. Su canción "Stars" es uno de los himnos queer favoritos de Geffen, particularmente por la forma en que transmitía tanto el la alegría y la dificultad de la experiencia queer.

"Tenía una voz tan poderosa y un control poderoso sobre las sutilezas de su uso", continúa Geffen. "Había este tipo de melancolía que puedo escuchar a veces al celebrar el mundo en el que estás, este tipo de submundo dentro del mundo donde estas formas de relaciones son posibles".

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Las artistas femeninas, muchas de las cuales eran aliadas abiertas de la comunidad queer, también abordaron la devastación de la epidemia. "Waterfalls" de TLC (una historia de advertencia con una nota de esperanza para "creer en ti mismo") y "True Colors" de Cyndi Lauper, una canción de antorcha para iluminar el camino en los tiempos más oscuros. Aunque, esta relación de artistas aparentemente heterosexuales con la comunidad queer no estuvo exenta de fallas. Madonna se convirtió en un ícono queer por su serie de éxitos antes de comenzar la década de 1990 con "Vogue", una canción que llevó la cultura del salón de baile queer a una audiencia mayoritaria. Si bien Madonna claramente estaba celebrando esta forma de arte y dando cierto reconocimiento a quienes la crearon, también estaba ganando dinero con el talento y la creatividad de las comunidades queer de color poco reconocidas.

Fuera de la música convencional, la década de 1990 vio a artistas femeninas queer afirmando su identidad, acompañadas por el movimiento riot grrrl y Lilith Fair. Estos iban desde el reflexivo "Closer to Fine" de Indigo Girls hasta el anhelante "Constant Craving" de kd lang y "Rebel Girl" de Bikini Kill, "la reina de mi mundo".

El sonido de un nuevo milenio

El cambio de milenio anunció el comienzo de una aceptación más asertiva, con himnos provenientes de fuentes a veces inesperadas: "Beautiful" de Christina Aguilera, "Raise Your Glass" de P!nk, "Dancing on My Own" de Robyn o "Same Love" de Macklemore. ." Con la lucha política por la igualdad en el matrimonio ganando terreno rápidamente en los EE. UU., los artistas pop comenzaron a responder con mensajes abiertamente pro-LGBTQAI+ en su música: Lady Gaga inició la década de 2010 con "Born This Way", con el tema de que no hay nada anormal por ser queer.

Más recientemente, los himnos se han deshecho de la necesidad de ocultar su rareza a través de mensajes ocultos o insinuaciones. Orgullosamente, los artistas queer están creando música claramente para sus comunidades y más allá: piense en la oda al placer femenino "Pynk" de Janelle Monae, la abrasadora "Queen" de Perfume Genius o "Girls Like Girls" de Hayley Kiyoko, cuyo título lo dice todo (y fue seguido arriba con el himno más alegre "para las niñas").

Quizás lo más notable es que los géneros que han tardado más en adoptar a los artistas LGBTQAI+ también han tenido su parte de himnos. El rap en particular ha abrazado a artistas queer desde Cupcakke ("LGBT") a Frank Ocean ("Channel") a Leikeli47's ("Attitude") a cualquier cosa de Mykki Blanco. Esto también ha sido cierto en el country: vea "Loving Her" de Katie Pruitt, "Follow Your Arrow" de Kacey Musgraves u Orville Peck y su interpretación de "Smalltown Boy". quizás con mayor fuerza en el Renacimiento de Beyoncé.

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Si bien toda su discografía está llena de éxitos que han entrado en el panteón queer, su último lanzamiento, Renaissance, es una oda a la tradición queer y negra del disco y el house. Temas como "COSY", un abrazo de estar "cómodo en mi piel", rápidamente entraron en una gran rotación en los clubes de todo el mundo. Beyoncé se ha centrado en artistas queer como Big Freedia, la reina del rebote de Nueva Orleans que escribió un poderoso himno en "Chasing Rainbows" de 2020 con Kesha (quien nombró un álbum Rainbow y lanzó "We R Who We R" después de una serie de suicidios de adolescentes homosexuales en los EE. UU.).

Lo más significativo es que las canciones sobre la experiencia queer ahora están definiendo las carreras de muchos artistas y ganándoles grandes audiencias sin precedentes. Este es el caso de MUNA con "Silk Chiffon", King Princess con "1950", Troy Sivan con "Bloom'' o incluso Sam Smith y Kim Petras con "Unholy". industria y la convirtió en la primera persona abiertamente trans en ganar un premio GRAMMY.

Esta tendencia se puede ver más claramente en el surgimiento de Little Nas X, quien creció dominando el lenguaje y los códigos de Internet antes de abrirse camino y salir del armario con bastante rapidez. Geffen destaca cómo usa la conmoción para llamar la atención y rechazar a los que odian homofóbicos, como cuando le da a Satanás un baile erótico en el video musical "MONTERO (Call Me By Your Name)".

"Pienso en Little Nas X como un troll que se abrió camino hasta la cima", dice Geffen, "sabiendo a qué responderá positivamente la gente y qué cabreará a la gente".

En contraste con este aumento de himnos abiertamente queer y representaciones de personas queer en los medios, hay una realidad política aguda: las leyes anti-trans proliferan en muchos estados y los legisladores intentan limitar los derechos de las personas LGBTQ+, amenazando muchos de los avances en la liberación queer.

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Este momento de la historia social y política destaca la importancia de un himno, que sirve como forma de celebración y señal de lealtad, así como un bálsamo contra la represión y motivación para continuar la lucha.

Por supuesto, esta lista de himnos queer está lejos de ser exhaustiva. Artistas tan diversos como los B-52, Eurythmics, Pet Shop Boys, Elton John, Cher, George Michael, RuPaul, Mariah Carey, Janet Jackson, the Smiths, Kylie Minogue, Brandi Carlile, Carley Rae Jepsen, Sufjan Stevens, SOPHIE, Taylor Swift y muchos, muchos otros han lanzado música que ha impactado profundamente a la comunidad queer.

Y realmente, cualquier canción puede ser un himno queer si le habla a alguien a nivel personal, brindando un sentido de conexión y pertenencia. Como señala Geffen, la magia ocurre cuando una pieza musical crea un momento de celebración colectiva o felicidad momentánea.

"No hay nada como esa sensación de liberación física de tener una canción recorriendo a través de ti cuando también está recorriendo a muchas otras personas que están en la multitud contigo", dijeron, destacando el poder de esa ansiedad de si encajas o no. al disolverse: "Abre una ventana a lo que es posible, en un mundo más allá del que estamos ahora".

Los artistas cristianos queer mantienen la fe: cómo los músicos LGBTQ+ están redefiniendo la música de alabanza

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Celebre el Mes del Orgullo LGBTQIA+ 2023 con una lista de reproducción de 50 canciones que abarca géneros y generaciones, en honor a artistas pioneros y aliados como George Michael, Miley Cyrus, Orville Peck, Lady Gaga y Ariana Grande y muchos más.

El año pasado, los artistas de la comunidad LGBTQIA+ continuaron generando cambios y haciendo historia, específicamente, historia de los GRAMMY. En noviembre pasado, Liniker se convirtió en la primera artista trans en ganar un premio Latin GRAMMY cuando se llevó a casa Mejor Álbum MPB por Indigo Borboleta Anil; tres meses después, Sam Smith y Kim Petras se convirtieron en los primeros artistas no binarios y trans, respectivamente, en ganar el premio GRAMMY a la mejor interpretación pop de dúo/grupo por su pecaminosa colaboración "Unholy".

Solo esas dos hazañas demuestran que la comunidad LGBTQIA+ está teniendo un impacto cada vez mayor cada año. Así que este Mes del Orgullo, GRAMMY.com celebra esos avances con una lista de reproducción de éxitos y clásicos atemporales que están impulsando conversaciones sobre igualdad y justicia para la comunidad LGBTQIA+.

A continuación, escuche 50 canciones de artistas de todo el espectro LGBTQIA+, incluidos "Unholy" y "Baby 95" de Liniker, en Amazon Music, Spotify, Apple Music y Pandora.

Foto: M. Caulfield/WireImage para VH-1 Channel - Nueva York

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Ya sea "Tears of a Clown" o "Tears in the Club", escucha algunas de las canciones más furtivamente tristes de Outkast, TLC, Avicii y más.

En 2003, OutKast anotó su segundo hit No. 1 con "Hey Ya!" La pista atemporal tiene una energía optimista que te hace querer sacudirla como una foto polaroid, hasta que te das cuenta de su letra bastante infeliz.

"¿Estamos tan en negación cuando sabemos que no somos felices aquí?" André 3000 canta en el segundo verso. La línea que sigue puede resumir su naturaleza contrastante: "Ustedes no quieren escucharme, solo quieren bailar".

La capacidad de hacer que los oyentes sientan (y reaccionen físicamente) a una amplia gama de emociones es parte del genio de la composición de canciones. Melodías como "Hey Ya!" — una narración triste disfrazada por una melodía contagiosa — es un truco que ha sido dominado por Outkast, REM, Smokey Robinson, Robyn y muchos más.

Si alguna vez bailaste alegremente al ritmo de un ritmo antes de darte cuenta de que la letra en la parte superior es en realidad un gran fastidio, ciertamente no estás solo. BBC y Apple Music llaman a estas pistas Sad Bangers, un nombre apropiado para lo que se ha convertido en un género no oficial durante el último medio siglo.

A la luz del Mes de Concientización sobre la Salud Mental este mayo, GRAMMY.com compiló una lista de 15 canciones que lo harán sentir y pondrán su cuerpo en movimiento.

La música alegre de este clásico de Motown fue escrita por Stevie Wonder, un ganador de 25 GRAMMY que es hábil en la elaboración de lágrimas que harán que tu cuerpo baile alegremente. La canción con fondo de fagot se registra a 128 latidos por minuto, un tempo que aún es el favorito de los productores de música dance moderna. Entonces, cuando Smokey canta, "Las lágrimas de un payaso/Cuando no hay nadie alrededor", también se te perdonará que te llenes un poco mientras estás en el ritmo.

Gloria Gaynor reinventó el éxito pop de 1971 de los Jackson 5 "Never Can Say Goodbye" para la era disco. Los amplios arreglos de cuerdas y el ritmo del trote ayudaron a llenar las pistas de baile y a crear una canción conmovedora sobre aferrarse a un amor propio. Otras versiones de portada de Isaac Hayes and the Communards también capturan el ambiente contradictorio.

El dúo británico Tears For Fears se hizo conocido internacionalmente después de equipar su primer éxito bailable con un coro dramático y deprimente que es difícil de quitar incluso 40 años después de su lanzamiento: "Me parece un poco divertido, me parece un poco triste, los sueños en los que Estoy muriendo son los mejores que he probado". Más tarde, Roland Orzabal y Curt Smith lanzarían temas más inspiradores, como "Todos quieren gobernar el mundo" y "Sembrando las semillas del amor".

Kate Bush ha tenido tres giros en las listas de éxitos de todo el mundo con "Running Up That Hill", comenzando con su lanzamiento en 1985 y luego como una canción poco probable en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano en 2012.

"Y si tan solo pudiera, haría un trato con Dios/Y conseguiría que intercambiara nuestros lugares/Corría por ese camino/subía esa colina/Sin problemas", canta en el coro de la pista de carreras, deseando estar más libre de preocupaciones.

Más recientemente, una ubicación en el drama de Netflix Stranger Things en 2022 le valió al lloroso número de baile dirigido por una tecla menor una nueva generación de fanáticos. El artista inglés fue nombrado recientemente miembro del Salón de la Fama del Rock & Roll de 2023.

El cantante principal de Midnight Oil, Peter Garrett, canalizó la rabia que sintió por el cambio climático temprano y la falta de derechos territoriales aborígenes en el interior de Australia en "Beds Are Burning". La poderosa melodía de baile inundó las ondas de radio y las pistas de baile de todo el mundo a finales de los años 80, alcanzando el puesto 17 en la lista Billboard Hot 100.

"¿Cómo podemos bailar cuando la Tierra está girando?" él canta en el coro entusiasta. "¿Cómo dormimos mientras las camas se están quemando?"

Garrett claramente tenía una conexión personal con el mensaje de anhelo de la canción: más tarde dedicó su vida al activismo ambiental como líder de la Fundación Australiana para la Conservación y se convirtió en miembro electo de la Cámara de Representantes de Australia.

Un éxito de música house sobre una mujer sin hogar, "Gypsy Woman (She's Homeless)" ayudó a la cantante de Nueva Jersey Crystal Waters a lograr el éxito internacional a pesar de un tema algo sombrío. Una parodia posterior de la serie de comedia de bocetos "In Living Color" llamó la atención sobre el contraste de tener una instrumentación alegre y optimista con letras desalentadoras.

"Ella es como tú y como yo/Pero no tiene hogar, no tiene hogar", resuena el coro. "Mientras ella se para allí cantando por dinero/La da dee la dee da..."

Esta alegre colaboración es entre el grupo de rock REM y la cantante de B-52, Kate Pierson. El pop de guitarra tintineante te hace querer aplaudir y pisar fuerte, pero la letra te hace preguntarte si todo es realmente tan brillante y feliz.

Se rumorea que la canción trata sobre la masacre en la Plaza Tiananmen de China, porque la frase "Gente feliz y brillante" apareció en los carteles de propaganda. Sin embargo, Pierson no está tan seguro de eso.

"No puedo imaginar que REM estuviera pensando en ese momento, Oh, queremos que esta canción sea sobre la propaganda del gobierno chino", dijo en una entrevista de 2021 con Vulture. "Se suponía que iba a ser brillante y feliz. Fue algo positivo en general".

"Waterfalls" fue un éxito mundial para TLC en 1994, gracias a su coro cantado y su línea de bajo funky. El rebote insistente de la canción suaviza una firme advertencia lírica que aleja a la gente del borde: "No vayas tras las cascadas/Por favor, apégate a los ríos y lagos a los que estás acostumbrado/Sé que lo tendrás a tu alcance". manera o nada en absoluto / Pero creo que te estás moviendo demasiado rápido ".

"Queríamos hacer una canción con un mensaje fuerte: sobre sexo sin protección, ser promiscuo y pasar el rato con la gente equivocada", compartió Rozonda "Chilli" Thomas con The Guardian en 2018. "Los mensajes en 'Cascadas' llegaron a casa. Creo que es por eso que es nuestro mayor éxito hasta la fecha".

André 3000 canta sobre las relaciones sin amor con un ritmo de baile caprichoso y cambiante en este éxito que encabeza la lista Billboard Hot 100. La seriedad de la canción, que André 3000 explicó una vez que trata sobre "el estado de las relaciones en la década de 2000", se perdió entre muchos oyentes.*

Su letra infeliz fue enmascarada por el canto alegre de André, así como por la guitarra tintineante y el ritmo dirigido por el teclado de la canción, que duplica de manera contagiosa la velocidad al final de cada cuatro tiempos. Incluso los mismos Outkast no pudieron evitar reconocer la yuxtaposición de la canción en un tweet de 2021.

Un penúltimo ejemplo de un éxito triste es "Dancing On My Own" de la estrella pop sueca Robyn. La canción triste, un éxito entre los 10 primeros en varios países, te ordena sacudir tus cosas, mientras te imaginas viendo a tu ex mudarse en el club. La portada de 2016 de Calum Scott realmente saca a relucir la tristeza que puede oscurecerse con la versión uptempo de Robyn.

"Dije, estoy en la esquina, mirándote besarla, oh no / Y estoy justo aquí, ¿por qué no puedes verme?" Robyn canta en el coro. "Y lo estoy dando todo / Pero no soy la chica que te llevarás a casa".

divertido. (el trío de Jack Antonoff, Andrew Dost y Nate Ruess) es mejor conocido por la poderosa balada de pop-rock que capta el espíritu de la época "We Are Young", que trata sobre el implacable entusiasmo positivo de la juventud en la ciudad. La canción principal de su álbum de 2012 Some Nights (que contiene "We Are Young") es una canción mucho más bailable pero más triste.

"¿Para que estoy yo?" Ruess pregunta mientras tus pies se arrastran al ritmo. "La mayoría de las noches, ya no sé".

Avicii colaboró ​​​​con el cantante pop conmovedor Aloe Blacc para este éxito mundial que se considera uno de los himnos máximos de EDM. El ritmo de bofetadas enmascara la letra triste y autorreflexiva de la canción sobre estar perdido.

La muerte por suicidio del DJ/productor sueco en 2018 agrega un aire aún más pesado al coro apasionado de Blacc: "Así que despiértame cuando todo termine/Cuando sea más sabio y sea mayor/Todo este tiempo me estaba encontrando a mí mismo, y yo /No sabía que estaba perdido".

"Never Be Like You" no es el corte más rápido en la discografía de bajo pesado del DJ/productor australiano Flume, pero la pista tenue todavía tiene un golpe irresistible. La cantante canadiense Kai le ruega a su amante que no la deje ("¿Cómo hago para que quieras quedarte?"), pero su tono encantador aún logra mantener la canción llena de esperanza.

Quizás la selección más abierta de toda esta lista es "Tears In The Club", que encuentra a FKA twigs y The Weeknd saliendo a la pista de baile para sacudirse los vestigios de una mala relación. El cantante/bailarín ha sido sincero acerca de estar en una relación abusiva, y la canción es un bop discreto que se ve animado por cánticos desesperados como "Podría morir con el ritmo, amor".

Casi 30 años después de que el DJ/productor Todd Terry ayudara a presentar Everything But the Girl a la comunidad internacional de música dance con un remix de "Missing", el dúo se inclinó hacia su lado electrónico en "Nothing Left to Lose". Un sencillo de su primer álbum en 24 años, Fuse, "Nothing Left to Lose" presenta una línea de bajo electrónica sofocante que contrasta con el anhelo impotente de la canción.

"Necesito una piel más gruesa / Este dolor sigue entrando / Dime qué hacer / Porque siempre te he escuchado", canta Tracy Thorne de la pareja en el verso inicial. Más tarde, ella hace una demanda que resume adecuadamente los conflictos de un triste éxito por excelencia: "Bésame mientras el mundo se descompone".

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La moda y la música siempre han estado indisolublemente unidas, y los largos fuertes se exhibieron por completo en la Met Gala de 2023, uno de los eventos de estilo más esperados del año. Vea los atuendos de la alfombra roja de Rihanna, Lil Nas X, Anitta y más.

¡Es ese momento otra vez! La Met Gala 2023, una de las bonanzas de la moda del año, está en plena vigencia. Y dado que la moda siempre ha sido el yin del yang de la música, los ganadores y nominados al GRAMMY se encontraban entre las estrellas de este evento glamoroso y vanguardista.

Presentada por la copresidenta de la gala Anna Wintour, editora de Vogue y directora editorial global de Condé Nast, la Met Gala de este año está copresidida por Penélope Cruz, Michaela Coel, Roger Federer y la tres veces ganadora del GRAMMY Dua Lipa.

Los ganadores y nominados al GRAMMY, así como los principales artistas musicales de la actualidad, ya están incendiando la alfombra roja de Met Gala, con todos, desde Dua Lipa, Phoebe Bridgers, Rita Ora, David Byrne, la sensación del rap en ascenso Ice Spice y más, mostrando su feroz miradas de moda Además, Rihanna y su pareja, ASAP Rocky, hicieron una llegada sorpresa de último minuto a la alfombra roja de Met Gala 2023, prendiendo fuego al mundo de la moda y la música.

La Met Gala de este año celebra el legado indeleble del difunto diseñador de moda Karl Lagerfeld; el código de vestimenta es "En honor a Karl...")

A continuación, echa un vistazo a algunos de los looks de moda de la alfombra roja más llamativos de las estrellas más importantes de la música en la Met Gala 2023.

Rihanna asiste a la Met Gala 2023 que celebra "Karl Lagerfeld: A Line Of Beauty" en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2023 en la ciudad de Nueva York | Foto: Jeff Kravitz/FilmMagic

Dua Lipa llega para la Met Gala 2023 en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2023 en Nueva York | Foto: ÁNGELA WEISS / AFP

(LR) Finneas O'Connell y Billie Eilish asisten a la Gala Met 2023 que celebra "Karl Lagerfeld: A Line Of Beauty" en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2023 en la ciudad de Nueva York | Foto: Matt Winkelmeyer/MG23/Getty Images para The Met Museum/Vogue

Bad Bunny asiste a The 2023 Met Gala Celebrando "Karl Lagerfeld: A Line Of Beauty" en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2023 en la ciudad de Nueva York | Foto de Jamie McCarthy/Getty Images

Jennifer Lopez asiste a la Met Gala 2023 Celebrando "Karl Lagerfeld: A Line Of Beauty" en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2023 en la ciudad de Nueva York | Foto: Jeff Kravitz/FilmMagic

Cardi B asiste a la Met Gala 2023 Celebrando "Karl Lagerfeld: A Line Of Beauty" en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2023 en la ciudad de Nueva York | Foto: Matt Winkelmeyer/MG23/Getty Images para The Met Museum/Vogue

Doja Cat asiste a la Met Gala 2023 en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2023 en la ciudad de Nueva York | Foto: Jamie McCarthy/Getty Images

Lil Nas X asiste a The 2023 Met Gala Celebrando "Karl Lagerfeld: A Line Of Beauty" en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2023 en la ciudad de Nueva York | Foto: Matt Winkelmeyer/MG23/Getty Images para The Met Museum/Vogue

Usher asiste a la Met Gala 2023 que celebra "Karl Lagerfeld: A Line Of Beauty" en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2023 en la ciudad de Nueva York | Foto: Mike Coppola/Getty Images

Sean "Diddy" Combs asiste a la Gala Met 2023 que celebra "Karl Lagerfeld: A Line Of Beauty" en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2023 en la ciudad de Nueva York | Foto: Mike Coppola/Getty Images

Phoebe Bridgers asiste a la Met Gala 2023 en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2023 en la ciudad de Nueva York | Foto: Jeff Kravitz/FilmMagic

Anitta asiste a la Met Gala 2023 en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2023 en la ciudad de Nueva York | Foto: Mike Coppola/Getty Images

Halle Bailey asiste a la Gala Met 2023 que celebra "Karl Lagerfeld: A Line Of Beauty" en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2023 en la ciudad de Nueva York | Foto: Kevin Mazur/MG23/Getty Images para The Met Museum/Vogue

Janelle Monáe asiste a The 2023 Met Gala Celebrando "Karl Lagerfeld: A Line Of Beauty" en el Museo Metropolitano de Arte el 1 de mayo de 2023 en la ciudad de Nueva York | Foto: Jamie McCarthy/Getty Images

Lo más destacado de la moda de la alfombra roja de los GRAMMY 2023: Taylor Swift, Cardi B, Harry Styles, Lizzo, Doja Cat y más

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Mientras Jack Harlow lanza su tercer álbum, 'Jackman', revisa algunas de las colaboraciones más épicas y llenas de estrellas que ha realizado en los últimos años, desde Eminem hasta Justin Timberlake.

Mucho antes de que Jack Harlow fuera una de las estrellas más populares del rap, ya estaba haciendo música para sus compañeros de secundaria. Incluso a los 12 años, conocía el arte de la colaboración, se unió a un amigo para crear su primer álbum y luego creó un colectivo de rap con otros amigos. Avance rápido 13 años después, y se está asociando con algunas de las estrellas más grandes de la industria.

Harlow ha contado con varias superestrellas como colaboradores desde que firmó con Atlantic Records en 2018; solo la lista de canciones de su segundo álbum, Come Home the Kids Miss You de 2022, contó con artistas como Drake, Lil Wayne, Justin Timberlake y Pharrell Williams. Entonces, cuando Harlow sorprendió a los fanáticos con el anuncio de su tercer álbum de estudio, Jackman, solo unos días antes de su lanzamiento el 28 de abril, era fácil suponer que entregaría más pistas repletas de estrellas.

Pero a la llegada del álbum, no se encontró una colaboración. Basado en que Harlow optó por usar su nombre de nacimiento como título de su último lanzamiento, no es tan sorprendente que optó por tomar la ruta sin funciones esta vez, e incluso sin colaboradores, suena más seguro que nunca.

Aunque Jackman no se sumó a la respetable lista de estrellas invitadas de Harlow, ya tiene una lista bastante amplia, ya sea de sus propios proyectos o apareciendo en la pista de otro artista. Para celebrar la nueva música de Harlow, GRAMMY.com revisa algunas de sus colaboraciones más memorables hasta el momento.

Harlow lanzó seis mixtapes y dos EP en los muchos años previos a su gran éxito "Whats Poppin", el sencillo principal de su álbum de estudio debut, Thats What They All Say de 2020. Aunque "Whats Poppin" ciertamente no es el único rap de Harlow que refleja las alegrías de ser rico y famoso, su entrega contundente en el nuevo verso del remix se destaca entre el resto.

Y con la ayuda de DaBaby y Tory Lanez en el remix, la canción alcanzó el número 2 en el Billboard Hot 100, una hazaña impresionante para su primera entrada en la lista. El éxito comercial de la canción no solo lo puso en el mapa, sino que le valió a Harlow su primera nominación al GRAMMY en 2021, por Mejor interpretación de rap.

Llamado así por el icónico hipódromo de Louisville, "Churchill Downs" es una sincera oda a la ciudad natal de Harlow; el video musical incluso se filmó en el Derby de Kentucky de 2022. Respaldada por un ritmo impulsado por la flauta, la destacada canción del segundo álbum de Harlow, Come Home the Kids Miss You, es una encarnación perfecta de sus humildes comienzos: "Todo ese tiempo en la cocina finalmente salió bien / Puse un poco de sabor en una olla y saqué el soso/ Sé que a mi abuelo le daría un infarto si sacara cien mil dólares", rapea.

Mientras tanto, el verso invitado de Drake, que menciona las trampas de la fama, se considera uno de los mejores en los últimos años, probablemente debido al nivel de vulnerabilidad que el rapero canadiense está mostrando casi dos décadas después de su carrera.

La historia de la pobreza a la riqueza resonó entre los fanáticos y los críticos por igual: "Churchill Downs" llegó al top 10 de la lista Hot R&B/Hip-Hop Songs de Billboard, y les valió a la pareja una nominación al GRAMMY a la Mejor Canción de Rap en 2022.

Lil Nas X reclutó a Harlow para su sencillo multiplatino "Industry Baby", una pista palpitante cargada de trompetas triunfantes y letras fanfarronas. Acompañada de un video musical provocativo en el que ambos raperos escapan de la prisión vistiendo monos de color rosa brillante, la canción siguió estratégicamente la batalla legal de Lil Nas X con Nike. Pero podría decirse que el verso del rapero de Kentucky se roba el espectáculo con barras que levantan las cejas, que incluyen "La envié de regreso a su novio con la huella de mi mano en su mejilla".

La bulliciosa melodía ayudó a Harlow a obtener el primero de dos No. 1 en el Hot 100; el segundo llegó en 2022 con su canción en solitario "First Class".

Harlow fue una de las tres estrellas del rap que Saweetie reclutó para el remix de su sencillo "Tap In", con muestreo demasiado corto, que también incluía a Post Malone y DaBaby.

Si bien la rapera de SoCal no se avergüenza de hacer alarde de sus atributos físicos ("pequeña cintura, gorda-") y ser capaz de "embolsar un n- de ocho cifras", Harlow parece feliz de estar allí. "Acabo de pasar al Top 40/ Ni siquiera puedo decir '¿Qué pasa?' ahora porque se puso cursi", escupe antes de decirles a los oyentes que su verso para Saweetie lo puso "caliente".

Una sólida opción individual después de "Whats Poppin" y "Tyler Herro", "Way Out" de Harlow y Big Sean es tan sencilla y fanfarrona como lista para el club. Con menos de tres minutos de duración, el verso invitado de Sean no decepciona: está repleto de frases clave, como "Estoy ungido, soy el jefe/ Salí tanto de mi bolsillo/ Pensaste que estaba desarticulado".

Lil Wayne no era ajeno a AutoTune antes de asociarse con Harlow, pero algunos críticos desaprobaron su uso en "Poison", una canción de Come Home the Kids Miss You. Aun así, su rima sobre robarle la chica a alguien es bastante icónica: "Quizás tenga que joder tu b— porque estoy en mi Harlow sh—".

A pesar de lo que dicen los críticos, claramente Wayne disfruta trabajar con Harlow: "Poison" marcó su tercera colaboración, luego del remix de "Whats Poppin" y el sencillo de 2020 "P— Talk" junto a City Girls y Quavo.

En "Movie Star", Harlow abandona su personalidad humilde para rapear sobre cómo disfruta de las ventajas de su recién descubierto estrellato: dinero, mujeres y ropa de diseñador. "No me puedo imaginar siendo tú, ooh, odiaría serlo / Ya terminé de fingir ser humilde, actuando como si no fuera engreído / Porque, p-, soy engreído", declara en el sitio web. pista producida por el legendario Pharrell Williams, un verdadero indicador de que un artista ha triunfado en la industria de la música.

Después de que Williams agrega algo de su estilo al coro, ambas estrellas intercambian rimas en el verso final de la canción. "¿Pero se mueve?" pregunta Williams. ¿La respuesta de Harlow? "Siento que toda la maldita ciudad lo sabe".

El tema del lado oscuro de la fama resurge en "Parent Trap", una colaboración con Justin Timberlake, quien presta su característico acento sureño al coro. "Cada cielo no puede ser azul / Es difícil ver cuando estás caminando en el gris / Tantos vuelos, mira cómo voló el tiempo", canta.

Aunque puede que no esté a la altura del dúo de primer nivel de Harlow con Drake en "Churchill Downs", que aborda un tema similar, la colaboración es adecuada: Harlow hizo referencia a NSYNC en "Tyler Herro" solo dos años antes.

A fines de 2020, Harlow le dijo a GQ que "creció escuchando a Eminem" y lo idolatraba, por lo que debe haber sido surrealista y completo cuando unió fuerzas con el rapero ganador de 15 GRAMMY apenas seis meses después. .

A la altura del desafío, Harlow se mantiene firme junto a Em y el entonces compañero recién llegado Cordae, demostrando fuertes juegos de palabras líricos, particularmente con frases como "Estoy comiendo pizza en Little Italy, maldita sea, solía ir a Caesars".

Incluso junto a sus héroes más grandes, Harlow ha demostrado su habilidad natural para llamar la atención, y aunque solo es él en el micrófono de Jackman, parece preparado y listo para ver quién es el próximo.

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